Ikoniska teaterroller

”Handla din del; där ligger all ära.” – Alexander Pope, en uppsats om man

Pope var en ganska smart kille, men jag är inte säker på att han har riktigt fullt mått på skådespelaren här. För att parafrasera två andra ganska snygga killar, tror jag att det skulle vara rättvisare att säga att även om en man i sin tid mycket väl kan spela många delar, är vissa delar fortfarande mer jämlika än andra.

Många skådespelare och publik har en stark medvetenhet om de mest prestigefyllda roller att spela. Teaterföreställningar – ofta betraktade som det sanna testet av en skådespelers skicklighet – är lindade i denna känsla av prestige. Det är också bra: med tanke på den tydliga skillnaden mellan lön i film- och teaterföretag, skulle vi ha mycket svårt att övertyga de teatraliska storheterna att nåda våra scener om det inte var för den meningen att ära i slutändan tjänas i detta medium.

Det finns några delar som alla skådespelare (oavsett om de önskar wannabes eller ackrediterade proffs, vare sig hemligt eller öppet) längtar efter möjligheten att spela. Det finns en slags inofficiell förståelse att det är bara genom att spela dessa mycket komplexa karaktärer på scenen som skådespelare kan gå med i de förflutna ikoniska skådespelarna – Laurence Oliviers, John Gielguds och Vivienne Leighs – i sin elit av berömmelse. Vi tittar på några av de mest ikoniska teaterrollerna:

Mycket tillräckligt om Shakespeare
Shakespeare dominerar inte bara fortfarande vår engelska kursplan mer än någon annan enskild författare, hans karaktärer dominerade också min lista över kända hjältar och hjältinnor i en sådan utsträckning att han berättigade för sitt eget avsnitt:

William Shakespeare

Shakespeare: fortfarande en BNOC (Big Name On Campus)

Kända Shakespeare-hjältar:

King Lear: Vilka publik tar bort en titt på detta sjakespeareaska verk som bestäms nästan helt av den ledande aktörens framträdande av denna centrala figur. Pjäsens utforskning av förhållanden mellan far och dotter, makt och mänskligt lidande bestäms allt av vad du tycker om Lear själv. Vilken kraft – och tryck – va?

Hamlet: Trots att han är en av de mest citerade fraserna på engelska, vet för få människor att Hamlets ”Att vara eller inte vara” ensam handlar om självmordsfrågan. Karaktären är en köttig introspektiv in i den mänskliga psyken, och det resonerar just på grund av hans förkrossande osäkerhet och självtvivel. Det finns en glad tanke för dig.
Iago: En av de mest frustrerande otydliga skurkarna någonsin, Iagos vägran att undersöka vad som motiverar hans grymma trick av Othello gör honom till en av de minst begripliga – men mest tilltalande – delarna i Shakespeare.
Macbeth: Moral i hans berättelse: ambition leder till dubbel, dubbel slit och problem.

Richard III: En av de mest anmärkningsvärda sakerna med den här killen är hans förmåga att få publiken att kollapsa i sin skurk genom att berätta vilka onda saker han håller på att göra härnäst och sedan glädja sig över hans framgång. Ah monologens kraft. Anmärkningsvärda utövare av denna sensationellt obehagliga roll har spänt Kevin Spacey, Al Pacino, Laurence Olivier, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Simon Russell Beale och Ian McKellen.
Macbeth på Trafalgar Studios
Senaste uppträdandet: James McAvoy som den namnetfulla hjälten i Macbeth i Trafalgar Studios, West End 2013
Kända Shakespeare-hjältinnor:
Juliet: Det berättar om tiden, (i direkt kontrast till de 19/37 Shakespearean-pjäserna som har titeln med hjältens namn), av alla de 5 hjältinnorna som listas här, är Juliet den enda som har med i styckets titel ( och det bredvid – och efter – Romeo). En av de mest kända delarna för en ung skådespelerska att spela (i sin storhetstid Judi Dench spelade henne), hon och Romeo har blivit förkroppsligandet av arketypiska unga älskare, som tävlar med Antony och Cleopatra och Troilus och Cressida.

Lady Macbeth: Detta kvinnliga kraftcenter är bäst känt för sitt övertygande rop om att ”osexa mig här” när hon följer ambitionens mordiska väg.
Mycket väsen för ingenting
Senaste föreställningen: Meera Syal som Beatrice i en all-Bollywood RSC-version av Much Ado About Nothing på Noel Coward Theatre, 2012
Rosalind: Med de flesta Shakespearean-hjältinnor, Elizabeth Bergner, Vanessa Redgrave, Helena Bonham Carter och Helen Mirren har alla tagit scenen som denna intelligenta, snygga skönhet.

Kate: The Taming of the Shrew är en av de mest kontroversiella skildringarna av misogyny, eftersom make Petruchio temmer den feisty Kate till modellen för underkastelse.

Beatrice: hennes tappar med Benedick bevisar att hon är överlägset den vittigaste av de två – en välkommen motgift till slutsatsen av Much Ado om ingenting.
Doom and Gloom för teaterns stora roller
I Shakespeares stora karaktärers fotspår möter de flesta andra eftertraktade teaterroller på samma dystra mål. Precis som en snabb stillbild:

Männen:
Willy Loman, (Miller’s The Death of a Salesman): begår självmord.

Faustus, (Marlowes doktor Faustus): ja, han säljer sin själ och blir skakad av helvetet av Mephistopheles.

 

ohn Proctor, (Miller’s The Crucible): är hängd. Det är visserligen för goda principer – som upprätthålls – men ändå är döden inte idealisk.

 

Vanya, (Chekhovs farbror Vanya): det bästa av ett dåligt gäng, Vanya dör i alla fall inte. Men det enda botemedel som erbjuds hans frustrerade förhoppningar är att även om han ”inte har haft någon glädje i [sitt] liv”, det här nedan kan lova bättre saker. Så ironiskt nog, med den synpunkten, skulle döden förmodligen vara det föredragna alternativet.

 

Troy, (Wilsons staket): För att avsluta denna katalog över manlig tragedi på en lite mer upplyftande not, även om Troy är död och lämnade i slutet av Wilsons spel, staketet till titeln (ironiskt nog en allegori för att hålla Grim Reaper (/ Döden) borta) har åtminstone byggts.

Ken Stott i farbror Vanya

Senaste föreställningen: Ken Stott som Vanya i farbror Vanya på Vaudeville-teatern, 2012

Kvinnorna:

Blanche, (Williams ’A Streetcar Named Desire): denna fascinerande alkoholist hamnar förpliktigad till en mental institution av hennes syster och hennes våldtäkte svåger.

 

Hedda Gabler, (Ibsens Hedda Gabler): beroende på tolkning kan Hedda antingen vara idealist, offer, feminist eller manipulativ skurk. Hur som helst, självmord är hennes undergång.

 

Hertuginnan (Webster’s Hertiginnan av Malfi): denna tragiska kärlekshistoria slutar med att hertuginnens två bröder gör sin hämnd på henne och hennes barn med en fiendiskt makaber uppvisning av våld.

Eve Best i hertiginnan av Malfi

Senaste föreställningen: Eve Best som hertuginnan i hertiginnan av Malfi på The Old Vic, 2012

Medea, (Euripides ’Medea): Prata om att skära av dig näsan för att trots ditt ansikte … för att hämnas på sin förrådande make, dödar Medea sina egna barn för att bättre ångra honom.

 

Lady Bracknell, (Wilde’s The Importance of Being Earnest): detta är den enda komedi på båda listorna. Så även om hennes avsikt var att hålla Cecily och Jack / Ernest från varandra (vilket hon misslyckas med), tror jag att Oscar Wilde förtjänar någon allvarlig kredit för att ha skapat en ikonisk teatralisk roll i en pjäs som inte resulterar i en död många av dess karaktärer.

Varför är dessa ikoniska teaterroller så ofta tragiska figurer?

Anses det som mer utmanande att spela dessa karaktärer (- komiker kan mycket väl ha ett ben att välja med detta)) eller beror det på att det kollektiva antalet ledande figurer inom epiker, tragedier, historier och drama överväger långt de från komedierna?

Eller kanske istället har det att göra med arvet från Aristoteles dramatiska teorier. Han hävdade att tragiska figurer i huvudsak är moraliskt överlägsna sina komiska motsvarigheter; och att känslorna som en tragedi väcker hos en publik är katartisk och rensande, medan den är mer otydlig i komedi. Kanske vill vi sm målgrupper känna att vi tar seriösa noter på våra mänskliga brister och inte bara skrattar åt dem. Det är ju inte bara skådespelare som är intresserade av att spela en roll